O final de um dos melhores episódios da quarta temporada (e não só) de “Grey’s Anatomy”, Crash Into Me: Part 2… enjoy!

Crítica ao filme “Iron Man”, por Douglas Lobo.

Nem todo super-herói vem da classe média. Em “Homem de Ferro”, Tony Stark (Robert Downey Jr.) é um bilionário empresário do ramo de armas que se arrepende dos negócios e decide trazer a paz ao mundo. Claro, para isso ele constrói uma arma. Uma super-armadura capaz de voar, despejar raios, balas e fogo e cujo capacete é uma mini-central de controle conectada a um computador de alta inteligência.

A super-armadura deixa Stark invencível contra criminosos comuns. Mas ele enfrenta problemas quando tem de lidar com uma super-armadura semelhante, construída com base no mesmo protótipo da sua. O roteiro pouco se aprofunda nas motivações dos criminosos (ou nas de Stark), que no começo do filme sequestram o bilionário durante uma visita ao Afeganistão para que ele construa um lançador de mísseis. Ao invés, Stark constrói uma super-armadura e a utiliza para fugir. Antes, encontra armas de sua indústria com os criminosos e tem uma crise de consciência (ele realmente achava que o negócio de armas era patriótico?). Decide usar a armadura como protótipo para uma mais poderosa.

Ao contrário de filmes como “Homem-Aranha” e “Superman – O Retorno”, que abordam os super-heróis numa perspectiva adulta, “Homem de Ferro” está mais para o público “teen”. O lado adulto do personagem foi removido, a ponto de o personagem ser mais maduro nas histórias em quadradinhos do que no cinema. O alcoolismo de Stark, abordado explicitamente nos quadradinhos, é aqui tratado com tanta discrição que nem se nota. Os personagens são infantilizados (à excepção de Virginia ‘Pepper’ Potts, interpretada por Gwyneth Paltrow) e jamais existiriam na vida real. Suas motivações são de papéis sociais (heróis, vilões, bilionário, jornalista), não de seres humanos. O mais interessante na construção de personagem é extra-tela: o irresponsável Tony Stark lembra o próprio Downey Jr, conhecido pela vida desregrada.

Em um filme no qual o herói é mais importante do que o ser humano, o melhor são as cenas de ação. Assim como nas histórias em quadrinhos, Tony Stark fica em apuros quando os circuitos de sua armadura começam a falhar – o calcanhar de Aquiles do herói desde sempre. Há fagulhas de humanidade quando Stark começa a testar a armadura ou quando ensaia um romance com Pepper. Mas ao tirar a humanidade do mundo dos heróis, “Homem de Ferro” fica na segunda equipa da nova safra de filmes iniciada com “X-Men”, ao lado de pipocões superficiais como “Demolidor” e “Motoqueiro Fantasma”.

Nota: 6/10

Crítica do videojogo “Medieval II: Total War”, por Luís Peres via “Zona Livre” do blog.

Bom, quero desde já congratular os autores deste blog pelo seu fantástico trabalho realizado até agora, mesmo tendo em conta os eventuais contratempos que foram surgindo e, felizmente, todos ultrapassados.
Estou a utilizar esta “Zona Livre” (bastante útil, pena não ser usada mais vezes) para divulgar um jogo que, na minha modesta opinião, é um dos melhores já desenvolvidos por qualquer produtora e para qualquer plataforma. Falar-vos-ei, portanto, de “Medieval II: Total War” da Sega/Creative Assembly.
Esta máquina do tempo com data marcada para o início do século XI não é um simples passatempo: é uma maneira de alterarmos o rumo da história europeia (e americana, quase no fim da campanha) sentados no conforto da nossa casa. O 5.º episódio da série de jogos Total War presenteia-nos com um grafismo verdadeiramente espectacular, em que nenhum soldado do nosso exército é igual ao anterior ou ao seguinte. Existe sempre algum pormenor diferente, nem que seja um remendo dos collants de um mosqueteiro renascentista. Os gráficos são sempre algo de muito importante num jogo de estratégia e diga-se, morbidamente, que ver um soldado mouro, de vestes extravagantes de simples tecido a arder com uma flecha portuguesa, nos dá um certo prazer que, não fosse isto um jogo, seria considerado uma coisa muito feia.
Mas, começando pelo início: no menu principal podemos escolher uma de quatro opções de jogo: batalhas rápidas, batalhas personalizadas, batalhas históricas e a vertente multiplayer, sem contar com a campanha, claro. Neste último modo, o mais completo do jogo, começamos por escolher uma facção europeia (de inicio temos apenas desbloqueadas a Espanha, França, Inglaterra, Escócia, Sacro Império Romano-Germânico e Veneza. Não se preocupem, Portugal é jogável logo após vencer uma primeira campanha). Podemos ainda escolher se queremos uma campanha curta ou outra mais longa e elaborada. Depois de escolhermos todos os factores para iniciar a campanha, deparamo-nos com um mapa da Europa, ainda incompleto, em que vemos as regiões, cidades e castelos que controlamos, que variam conforme a nação escolhida. O jogo é feito por turnos, algo semelhante ao “Risco”, clássico jogo de tabuleiro. As cidades são melhores centros económicos e fiscais enquanto que os castelos são melhores para recrutar unidades e defender posições estratégicas.
Como seria de esperar, Medieval é um jogo que retrata a sociedade medieval em três classes: o povo, a nobreza e o clero.

O povo é constituído por todos aqueles a quem cobram os impostos, donde provêm as unidades militares mais básicas (aldeões, archeiros simples, lanceiros, etc.), os assassinos, que servem, obviamente, para tirar de cena personagens de outras facções e os mercadores que viajam pelo mapa à procura de recursos para comerciar. Por fim, temos o espião que se infiltra em cidades e nos dá informações sobre exércitos inimigos.

Da nobreza provêm as melhores unidades militares, como cavaleiros e infantaria pesada. Para além disso, são também eles os generais das tropas, que dão ânimo e são um bónus importante em batalhas. Temos ainda as princesas, eternas diplomatas e infelizes moeda de troca: servem muitas vezes para casar com príncipes de outras facções para fortalecer laços e criar alianças.

Finalmente temos o clero, representado por padres, bispos e cardeais. A religião é, no entanto, imposta pelo Vaticano. Os jogadores recebem regularmente missões enviadas de Roma, que passam pela criação de Cruzadas, construção de igrejas, destruição da heresia, etc. Cada vez que não cumprimos uma destas missões, ficamos mal vistos pelo Papa e, se chegarmos a um extremo, podemos mesmo ser excomungados, o que nos torna um fácil alvo de outros países católicos.

Passando agora para as batalhas em tempo real: a melhor palavra para as descrever é, provavelmente, “fascinantes”. Por exemplo, durante a colocação do nosso exército no terreno, podemos utilizar os diversos factores naturais em nosso favor (tropas escondidas em bosques, archeiros em colinas elevadas, etc.). Algumas unidades têm ainda habilidades especiais (formações ofensivas, espigões de madeira para defender de ataques de cavalaria, etc.). Outro factor determinante para a vitória ou derrota é o clima: tentem atacar um castelo com nevoeiro cerrado e verão do que falo. E, por falar em castelos: as cidades e castelos do jogo podem atingir tamanhos nunca antes vistos e, na sua fase mais desenvolvida, podem mesmo ocupar quase todo o campo de batalha (que é enorme).

Os castelos têm ainda como particularidades os seus bastiões defensivos: fossos com água e vários anéis de muralhas! A recriação destas povoações está tão realista que poderiam perfeitamente ser usadas em documentários históricos sobre a vida medieval.

Saindo agora do campo de análise geral ao jogo, não posso deixar de fazer um pequeno comentário à jovem nação portuguesa, acabada de fundar. A campanha lusitana começa em plena Reconquista Cristã com duas regiões sob o nosso controlo: todo o território físico português e Pamplona, nas Astúrias. A Península Ibérica é ainda ocupada pelos Espanhóis e pelos Mouros, os imediatos alvos de D. Afonso Henriques. No entanto, para intensificar a experiência histórica, tanto do nosso país como de qualquer outro da Europa, sugiro que façam download do mod “Portvcale”, desenvolvido inteiramente por uma equipa portuguesa. Basta procurar no Google. Assim, Portugal começa com Guimarães e Coimbra (Portugal divide-se em Guimarães, Coimbra, Lisboa e Silves) e os reinos espanhóis aparecem divididos em Castela e Leão, Navarra e Aragão, por exemplo. Existem também muitas mais outras alterações ao mapa.
Então, a única coisa que posso dizer é: comprem! O jogo é fantástico e consegue viciar-nos de tão bom que é. Só é pena os personagens portugueses falarem em inglês, ainda por cima com um sotaque que nos faz lembrar uma qualquer personagem do CSI Miami, hispânica, claro.
Nota final: 9.5/10

Já ouviram falar na nova campanha publicitária da Disney? Se não, sigam!

Já estão divulgados (já há algum tempo, até) os anúncios da Disney para 2008, para o seu programa “Year of a Million Dreams”. A campanha chama-se “Disney Dream Portrait Series” e mais uma vez conta com a participação de algumas celebridades para reencarnarem algumas das mais conhecidas personagens. Nesta campanha podemos ver:

-Jennifer Lopez como Princesa Jasmine.
- O cantor Marc Anthony como Aladin.
-Whoopi Goldberg como génio da lâmpada.
- O bailarino Mikhail Baryshnikov como o rapaz da Terra do Nunca.
-A modelo Gisele Bundchen como Wendy Darling
-A comediante Tina Fey, como Sininho.
-Jessica Biel como Pocahontas
-Scarlett Johansson como Cinderela.
-A cantora Beyoncé Knowles, como a Alice.
-Rachel Weisz como Branca de Neve.

Ficam aqui algumas das imagens promocionais!

Quem nunca ouviu falar de Freddy Krueger? É certamente uma das personagens mais conhecidas da História do Cinema, tendo sido explorada em oito filmes – o último dos quais partilhado com outro grande vilão, Jason Vorhees, da saga “Friday The 13th” – e um a série ao longo de quase vinte anos. Será que, para quem o vir agora, o primeiro filme terá um aspecto datado?

One, two, Freddy’s coming for you. / Three, four, better lock your door. / Five, six, grab your crucifix. / Seven, eight, better stay awake. / Nine, ten, never sleep again, é engraçado como uma música só pode ajudar a criar uma ambiência mais perturbadora num filme de terror. Algo semelhante foi tentado em “See No Evil” (5.5/10), embora sem os mesmos resultados que neste “A Nightmare On Elm Street”. Esta canção, saída das vozes de crianças, é tocada convenientemente ao longo do filme. E, claro, é importante pois tem uma relação muito forte com o passado de Freddy, como vemos mais à frente.

A história não é nada a que não estejamos habituados. Temos um grupo de adolescentes – entre os quais encontramos o então estreante Johnny Depp e Heather Langenkamp, ambos com interpretações muito ao nível dos slashers, ou seja, muito más – que começam ter sonhos cada vez mais frequentes com uma criatura com garras de metal. Depois de um deles ser morto, começam a levar a coisa mais a sério e apercebem-se de que estão a ser perseguidos por Freddy Krueger, um homem que morrera num incêndio às mãos da população enraivecida, anos antes e que, caso não façam algo, acabarão por morrer.

Algo que me chateou – bastante – foi mesmo a má péssima interpretação de Heather Langenkamp, que, tendo de carregar o filme às costas vivendo uma adolescente filha de pais divorciados que vive com a mãe alcoólica, não consegue em ocasião alguma estar à altura do dramatismo das cenas que protagoniza. Quanto aos restantes, pouco melhores são que ela, mas têm a vantagem de aparecerem muito menos.

Como filme de terror, “A Nightmare On Elm Street” desilude. A banda sonora – excepto aquela canção de que falei no início – não ajuda a criar um ambiente suficientemente assustador e não nos fica nenhuma cena na memória, excepto aquela em que Nancy está na banheira, que, confesso, me fez ficar nervoso enquanto a assistia. De resto, as personagens são – como habitual – burras: reparem, nessa cena, como Nancy se volta a trancar, depois de estar fora de perigo, sujeita a, caso fosse atacada de novo, dificultar a tarefa da mãe em ajudá-la, por exemplo. O confronto final é desperdiçado, na medida em que não consegue gerar uma tensão digna do acontecimento. É tudo muito habitual, portanto.

Contando com um final que nos deixa minimamente intrigados, o filme tem o mérito de nos apresentar uma das personagens mais carismáticas dos filmes de terror – contudo, devo dizer que Freddy me assustou mais no “Freddy Vs Jason” (6/10) do que neste –, de provar que Wes Craven, que o realizou e escreveu, já teve, em tempos, talento para isso, e de nos mostrar a evolução de Johnny Depp como actor ao longo da sua carreira – ganhou de mim um renovado respeito, até. Temos que ter em conta que, na altura do seu lançamento, há 24 anos, o filme terá sido uma pedra no charco, como foi também “Halloween”. Agora, vê-se, simplesmente.

Nota: 6/10

Marta Silva, cujos posts podem ver aqui, saiu do Blog, como devem ter reparado. O motivo…?

Incumprimento de prazos pré-estabelecidos entre os vários membros da equipa. Por agora, ficamos apenas cinco pessoas no staff, sendo que a nossa principal prioridade é contribuir com o maior número de críticas a séries/filmes/livros para o Blog. Contudo, reparando na pouca atenção dada à área de videojogos, estamos à procura de uma solução para cobrir essa lacuna - solução essa que poderá passar pelo ingresso de mais alguém na equipa, talvez. Não tomem isto como um sinal de que o Blog está em crise: Marta não é a primeira a abandonar a equipa, pelo que a situação não é irrecuperável. Um obrigado pelo seu trabalho e esperemos que a sua estadia tenha contribuído de forma positiva e interessante aos nossos leitores.

Crítica ao filme “Basic Instinct 2″, por Douglas Lobo.

Sem a presença forte de Michael Douglas, astro do primeiro filme, “Instinto Selvagem 2” (Basic Instinct 2. EUA/Reino Unido/ Alemanha/ Espanha, 2006) esbarra em um protagonista deslocado e em roteiro dos mais previsíveis. O ator David Morrissey faz um trabalho artificial e contido, mostrando-se inclusive desajeitado nas (poucas) cenas de sexo. Sem a química com Douglas – ponto alto do primeiro filme -, Sharon Stone não segura a seqüência, fazendo uma caricatura de si própria como a sexualmente irresistível Catherine Tramel. Ao tentar dar conteúdo “artístico” a um thriller comercial, o diretor Michael Caton-Jones eliminou a espontaneidade despretensiosa do primeiro filme - um dos maiores sucessos de 1992.

Neste segundo filme, Catherine Tramel está sempre seduzindo, sem descanso. Atriz competente, mas irregular, Sharon Stone usa clichês desgastados no papel de femme fatale: voz alterada, olhares penetrantes, cruzada de pernas, decotes etc. Fora de forma para atuar, mas em forma para se exibir, seus únicos méritos no filme são os físicos. No entanto, é difícil precisar o quanto há de fotografia, maquiagem, edição e dublês de corpo na construção da exuberante beleza da atriz aos 48 anos.

Mas Sharon Stone ainda é o melhor em um filme previsível do começo ao fim. O roteiro tem tantos pontos de semelhança com o da primeira seqüência que é possível prever o desenrolar – e até o desfecho – da trama. A idéia-base é de resto inverossímil: a manipulação sutil de Catherine Tramel no primeiro filme, que engana com dificuldade o personagem de Michael Douglas, um policial de campo sem maiores dotes intelectuais – agora é uma manipulação forçada e simplória, que contraditoriamente engana com facilidade o personagem de Morrissey, um psiquiatra reputado com atividade acadêmica. Os diálogos forçados e sem graça nem de longe lembram os da primeira seqüência.

Porém, o maior defeito de “Instinto Selvagem 2” é o de se levar a sério. O diretor Michael Caton-Jones quis dar ao filme uma ambientação “artística”, através de fotografia refinada e de personagens que se vestem no cotidiano como se estivessem em um casamento da monarquia britânica. O contraste branco/preto é trabalhado durante todo o filme – principalmente através das roupas dos personagens. O filme tenta se vender como “obra de arte”, através de referências à psicanálise e de atmosfera geral que lembra (vagamente) os filmes de Alfred Hitchcock. O resultado é um filme artificial, falsamente artístico e dirigido sem entusiasmo. Decepcionados, os incondicionais fãs de Sharon Stone devem esperar pela terceira seqüência, já anunciada. Melhor ainda é comprar em DVD o primeiro – mais divertido, menos pretensioso e com Sharon Stone quatorze anos mais jovem.

Crítica ao filme “Wind Chill” por Douglas Lobo.

Um remake de filme de terror japonês é freqüentemente uma má idéia. Um filme americano de horror que se parece com um é pior. “Estrada maldita” (EUA, 2007) conta uma declarada história verdadeira num formato de filme de terror japonês. Isso significa uma atmosfera de claustrofobia, um estilo estético e especialmente uma trama baseada em espíritos que querem vingança por algo que os vivos lhe fizeram. Mas no fim é somente um filme em que nada acontece, com má atuação e direção preguiçosa.

A história é baseada em declarados acontecimentos reais ocorridos em 1950. Uma universitária (Emily Blunt, de “O Demônio Veste Prada”) pega uma carona para Delaware com um colega de classe. No decorrer da viagem ele se mostra mais e mais esquisito. O rapaz parece saber tudo sobre ela. Repentinamente, ele decide tomar um atalho e o carro sai da estrada. Agora, os dois estão sob uma tempestade de neve, sem qualquer idéia do que acontecerá.

Bem, nada acontece durante muito tempo. Leva quase uma hora até a trama realmente começar (talvez o diretor esteja tentando mostrar como é chato ficar sob uma tempestade de neve. Bem, funciona). Quando algo começa a acontecer, compreendemos que o diretor não tem o ritmo para a direção de suspense. É lento quando nada acontece e rápido quando algo acontece, mas o estilo do suspense é exatamente o contrário (basta pensar na cena do banho de “Psicose”, que parece interminável – o suspense prolonga os momentos importantes e passa rápido pelos que nada significam).

Em alguns filmes de horror, a atuação é a única coisa que os faz valerem à pena. Não é o caso aqui. Emily Blunt é melhor vestindo Prada do que como atriz de terror. A verdade é que o horror exige muito dos atores, porque há o risco do exagero e da falta de ritmo. As expressões de Emily Blunt são tão afetadas que às vezes nós temos medo dela e não do terror mesmo. Ela também corre num estilo tão “estou-representando” que parece fazer Cooper, não fugir. Além do mais, a interação entre ela e Ashton Holmes (que interpreta seu colega) não é boa em nenhum momento.

Às vezes um filme de horror é bom como obra “séria”, porque traz uma mensagem. Por exemplo, “O enigma Do Outro Mundo”, de John Carpenter. Na maioria das vezes, os filmes de horror são somente engraçados porque trazem humor, cenas empolgantes e atrizes/atores com sex appeal. Por exemplo, “Van Helsing”. Mas “Estrada Maldita” não é bom nem como obra “séria” nem como entretenimento. Tomar um sorvete sob uma tempestade de neve é mais excitante.

Crítica ao filme “Blood Diamond” por Douglas Lobo.

Para além dos méritos cinematográficos, “Diamante de Sangue” (Blood Diamond, EUA, 2006) se impõe sobretudo pelo tema. Por trás de clichês do cinema comercial, é um alerta sobre o risco de movimentos populistas que utilizam a ideologia nacionalista em benefício próprio, sem compromisso com a ética e os Direitos Humanos. Alerta válido para a África dos anos 90 – período do filme -, mas também para a América Latina de hoje.

O diretor Edward Zwick coloca em “Diamante de Sangue” clichês que o cinema americano sempre utiliza ao mostrar o continente africano. Tudo é exótico, turístico até. Mas sem exageros - só concessões mínimas para a indústria: pouca paisagem, algumas cenas de combate, melodrama, um ritmo alucinante em alguns momentos, a realização voltada para o astro Leonardo Di Caprio. Garantida a atenção da plateia pelos artifícios comerciais, o filme trata de abordar a temática social e política da exploração dos países periféricos pelas grandes potências.

No caso, Serra Leoa, país da África Ocidental que viveu uma guerra civil durante a década de 90. Na guerra, os diamantes do país eram vendidos ilegalmente no exterior pelos revolucionários da Frente Revolucionária Unida (FRU), que tentavam destituir o presidente Ahmed Tejan Kabbah. Os rebeldes ficavam com um percentual do dinheiro e utilizavam o restante para comprar armas. Os revolucionários ficaram conhecidos pelas mutilações, violações e assassinatos contra a população de Serra Leoa, além de terem recrutado e treinado crianças para a Frente. Baseado nestes factos históricos, o filme aborda aspectos como a cooperação internacional, o interesse de corporações privadas nos conflitos armados e a eterna posição dos países periféricos de fornecedores de matérias-primas para as potências industriais.

Em “Diamante de Sangue” há poucos heróis. Os revolucionários praticam barbaridades contra seu próprio povo, a empresa Van de Kamp, que compra os diamantes, é na prática a financiadora da guerra civil, o contrabandista Danny Archer (Di Caprio) vende armas aos rebeldes, a jornalista Maddy Bowen (Jennifer Connely) se sensibiliza com as vítimas, mas ao mesmo tempo busca firmar a carreira na cobertura da guerra. Herói mesmo só o nativo Solomon Vandy (Djimon Hounsou). Só ele sabe onde está o maior diamante de Serra Leoa e este é o único elo que o une aos demais.

Uma guerra é feita por muitos. “Diamante de Sangue” evita o discurso fácil de culpar unicamente a exploração das grandes potências pelos conflitos nos países periféricos. A maior violência em Serra Leoa é praticada pelos próprios revolucionários, que massacram seu povo, armam suas crianças, escravizam os mais fortes e vendem para uma corporação estrangeira a maior riqueza de seu país – os diamantes. Os actos sanguinários da FRU são acompanhados por discursos de soberania e nacionalismo perigosamente presentes ainda hoje na retórica de movimentos, governos e partidos populistas – talvez não mais na África, mas certamente na América Latina.

Nos Estados Unidos o filme foi acusado de “liberal” e “politicamente correto” por alguns jornalistas, já que chama à responsabilidade os consumidores de diamantes dos países industrializados, que involuntariamente terminaram por financiar a guerra civil. A cobrança é feita no decorrer do filme e principalmente no final, nos créditos de tela. Mas o que “Diamante de Sangue” tenta mostrar é justamente a complexidade dos conflitos armados nos países periféricos, em que muitos são (voluntariamente ou não) os vilões, poucos os heróis e por trás dos discursos e de boas intenções só há um grande motor: o dinheiro.

Voltar às origens. Era o que, provavelmente, Enrique Iglesias quis fazer quando lançou este “95/08″, onde completamente adversa o último álbum, “Insomniac” (9/10, ler crítica aqui) que, por sua vez, foi um êxito transcendente. Pode-se dizer, no entanto, que este é um “best of” de Iglesias… mas bem conseguido?

Convém começar por dizer todo este “95/08″ é espanhol, visto que o objectivo deste álbum é, como já referi, voltar às origens - aliás, a única nova música que o álbum traz é “¿Dónde Están Corazón?” (9/10), cujo videoclip tende a aludir às recordações do cantor de infância e adolescência. Este novo CD traz-nos músicas não muito conhecidas de trabalhos anteriores do cantor, como “Cosas Del Amor” (1998), “Vivir” (1997), e “Enrique Iglesias” (1998), álbuns que provavelmente só os maiores fãs têm conhecimento da sua existência. Músicas presentes como “Experiencia Religiosa” (7/10), “Por Amarte” (7/10), e “Nunca Te Olvidaré” substituem grandes êxitos como “Addicted” (9/10), “Little Girl” (9/10) e outros que, em vez dessas melodias dispensáveis, podiam encontrar-se neste “so called” best of. No entanto, “95/08″ reúne músicas bastante conhecidas, como “Bailamos (Wild Wild West Soundtrack Version)” (8,5/10), “Ritmo Total” (8,5/10), e a fenomenal “Heroe” (10/10). Outros trabalhos como “Mentiroso” (8/10), “Quizás” (9/10), “LLoro Por Ti” (8/10), não são nem dispensáveis nem fundamentais, mas encontram-se presentes para a felicidade dos nossos ouvidos, que agradecem. Por fim, falo do novo single do cantor, “¿Dónde Están Corazón?”. A letra é bonita, assim como toda a melodia, e agradou-me igualmente o seu videoclip, que pode ser visto na continuação:

“95/08″ não é propriamente um “best of”, porque se assim fosse não se dispensariam algumas músicas, é mais um retorno das origens de Enrique Iglesias, talvez como homenagem aos espanhóis que abraçaram a sua música de braços abertos, e continuam a fazê-lo, tal como no resto do mundo.

Nota Final: 8/10